楚天與畫 / 立體派 / 二十世紀最偉大的藝術家-畢加索

   

二十世紀最偉大的藝術家-畢加索

原創
2020-03-31  楚天與畫

    畢加索(Pablo Picasso,1881-1973)

    畢加索1881 年 10 月 25 日生於西班牙馬拉加,1973 年 4 月 8 日卒於法國木甘。畢卡索一生是個不斷變化藝術手法的探求者,印象派、後期印象派、野獸的藝術手法都被他汲取改造為自己的風格。他的才能在於他的各種變異風格中,都保持自己粗獷剛勁的個性,而且在各種手法的使用中,都能達到內部的統一與和諧。他有過登峰造極的境界,他的作品不論是陶瓷、版畫、繪畫、雕刻都如童稚般的遊戲。

    在他一生中,從來沒有特定的老師,也沒有特定的子弟,但凡是在二十世紀活躍的畫家,沒有一個人能將畢卡索打開的前進道路完全迂回而過。他說過:「當我們以忘我的精神去工作時,有時我們所作的事會自動地傾向我們。不必過分煩惱各種事情,因為它會很自然或偶然地來到你身邊,我想死也會相同吧!」

    跟一生窮困潦倒的梵谷不同,畢卡索的一生輝煌之至,他是有史以來第一個活著親眼看到自己的作品被收藏進羅浮宮的畫家。在 1999 年 12 月法國一家報紙進行的一次民意調查中,他以 40 % 的高票當選為 20 世紀最偉大的十個畫家之首。

    老吉他手 The Old Guitarist

    1903 - 04 年,美國伊利諾州芝加哥藝術機構

    《老吉他手》也是藍色時期的作品。除了彌滿全畫的藍色以外,年邁的樂手瘦長的形體、無力的手、下垂的頭和襤褸的衣衫都在傳達沮喪的情緒。失明的樂手似乎全然沉浸在自己彈奏的音樂之中。拉長的造型和閃爍的銀光令人聯想起西班牙文藝復興時期著名的幻想風格主義畫家埃爾·格列柯的手筆。美國詩人華萊士·史蒂文斯為此畫寫過一首感人的詩《男人和憂郁的吉他》(1937)。

    人生 Life

    1903 年,美國俄亥俄州克利夫蘭美術館

    《人生》是畢加索藍色時期的代表作之一,當時畫家年僅22歲。這幅畫是藍色時期尺幅最大的作品。整個畫面中的藍色基調傳達出一種憂郁的情緒,令人聯想起黑夜、神秘、夢幻和死亡。其中的男性形象是畫家的好友,他是因為失戀而自殺的。背景隱隱約約是一種建筑物的內部。一個裸體女性緊靠著畫家的朋友,后者的手無力地指著一個抱著熟睡的嬰兒的女性。在兩組人物之間,還有兩幅上下疊著的畫布,其中都只有輪廓式的描繪。上面的一幅中兩個抱在一起的裸體形象絕望地看著一切;下面的畫面中則是一個頭靠在膝蓋上的形象。此畫顯然具有寓言的意味。畫家借此表達極為復雜的內容:一種神圣和世俗的愛情寓言?一種人生的周而復始或是責任?現代藝術家的一種生存狀態……

    悲劇 The Tragedy

    1903,美國-華盛頓區國家畫廊

    畢卡索的藍色時期從他的朋友卡薩格瑪之死開始。他選擇自殺.因為他的愛無法獲得回應。即使畢卡索後來圖畫處理的.不是死亡.但還是孤獨或缺乏愛。《悲劇》就是個明顯的例子。他們是一群在海邊沒有親情的一家人.缺乏生命力.僵立有如雕像。四周沒有任何東西可使他們有希望脫離那種孤立狀態。只有小孩作出手勢.頭還不屈地舉著。人物被裹包得有如要鑽進衣物裡;而顯露於外的便是赤裸的.赤赤裸裸的貧窮。在這圖畫裡.畢卡索毫不掩飾他的悲情。

    燙衣服的女人 Woman Ironing

    1904,美國-紐約古金漢博物館

    畢卡索來到巴黎並在 1904 年定居在那裡.這期間他的創作被稱為「藍色時期」.是他第一次形成自己的風格。這個時期作品背景藍.人物藍. 頭髮、眉毛、眼睛皆藍.藍色主宰了他一切作品.背景簡化(《燙衣服的女人》).避開光感和深度的感覺.把人物結合成一種簡單的圖樣.其中沉重.強烈而流動的線條.給人以不真實的、虛擬世界的印象。這種線條具有情感的重量.畫家後來的作品大多具有這種富於表現力的線條的特點.這些特點是從觀察人的動作和姿勢中得到的。

    這一時期也是畢卡索對現實生活關注的時期.他還沒有脫離普通群眾太遠去追求某些哲理性強於藝術性的表現。那時候的藍色.是貧窮和世紀末的象徵.於是作品多表現一些貧困窘迫的下層人物.畫中的人物形象消瘦而孤獨。至於為什麼畢卡索會採用藍色作為主調.尚沒有確定的說法。一種說法認為是受法國畫家印象派的宗師-莫奈和肖像畫家卡裡埃的影響.認為這種色調加強了畫面中的詩意成分。另一種說法則認為.畢卡索之所以偏愛藍色是因為它代表著憂鬱。也就在那片單色的淺藍、粉藍、深藍、湛藍中.畢卡索開始走上他的成功之路。

    賣藝人家 The Family of Saltimbanques

    1905,美國-華盛頓區國家畫廊

    畢卡索曾經模仿矯飾主義的風格將人體拉長.但是在這幅畫中.他再度接近古典的美感理念。拉長的身形不見了.不再用矯飾、激情的姿勢.雙腿敞開方向各異的站姿.似乎成為圖畫中人物的必然姿勢。這幅畫的主題偏向人們的孤寂與內省.不過在色彩運用上.畢卡索卻用暖色調使畫面的沉重感減輕不少。

    拿煙斗的小孩 Boy with a Pipe

    1905,私人收藏

    據說這個小男孩綽號“小路易”。1904年,畢加索搬到了法國巴黎蒙馬特區,并在一座叫“洗衣船”的破舊公寓里住了下來。“小路易”也住在這幢公寓里,他常常跑到畢加索的畫室里,看他畫畫來消磨時光。后來,畢加索以“小路易”為模特繪制了這幅作品。

    這是畢卡索走過藍色憂鬱時期.進入粉紅時期的代表作。畫中表現了一位神情有點憂鬱的青春期男孩.他身穿藍色服裝.頭戴花冠.手裡拿著一支煙斗.畫面的背景是兩大束色彩豔麗的鮮花。畫面韻味和色調.蘊含了一種無法言傳的華麗與孤獨.比後期標新立異的立體派作品更打動人心。這幅畫被評論家譽為具有達文西「蒙娜麗莎」似的神秘.梵谷「嘉舍醫生」似的憂鬱的唯美之作。

    2004年,在紐約舉行的蘇富比拍賣會上,一位神秘買家以1.04億美元的天價買下了這幅作品,這個價位創造了當時世界名畫拍賣史上的最高紀錄。

    格特魯德斯坦因 Gertrude Stein

    1906,美國-紐約大都會美術館

    1906年.畢卡索結識了野獸派創始人馬諦斯。他從這位野獸派泰斗那裡發現了黑人雕刻.從此迷上了黑人雕刻.並吸收其藝術精華融入自己的作品中去。這年.畢卡索將調色板上的胭脂洗掉.換上灰褐色的顏料.為文學家斯坦因畫肖像。這幅《斯坦因畫像》.是畢卡索從'玫瑰紅時期’躍入'立體主義時期’的跳板.即受到原始藝術的影響.也注意了幾何學的基本形.畫中的手是寫實的.而臉卻似土著面具式的形象。

    斯坦因是來巴黎定居的美國女作家.她以實驗式表現手法.曾給年輕的先鋒派文學家們以巨大影響。她和現代派的藝術家們交往頻繁.使其大名常常在現代美術史著作中出現。她不但與比自己小七歲的畢卡索相處得很好.而且與馬蒂斯、布拉克以及那些立意創造新型藝術的畫家十分親密.經常在這些畫家最困難得時候慷慨解囊。她和哥哥利奧不斷收藏他們那些富有爭議得作品.以示在經濟上支持窮畫家們專心致志地從事新藝術的創造。

    斯坦因曾為這幅肖像做了八十次模特兒.最後還是在沒有模特兒地情況下.畢卡索獨自潤色此畫。朋友們看了完成作後大吃一驚.都指責所畫人物根本不象斯坦因。畢卡索說:“這有什麼關係呢?最後她總會看起來跟這幅畫一模一樣的。”斯坦因很感激地收下這幅畫.數十年過後.評論界一致認為.這幅畫與女作家的內在氣質是一致的。

    坐著的女人 Femme Assise

    1909,私人收藏

    這幅畫的是畢卡索的情人兼模特兒費南德奧莉薇(Fernande Olivier)

    亞威農婦女 Les Demoiselles d ’Avignon

    1909,美國-紐約現代美術館

    在 1909 年末,畢卡索從事一件有重大意義的作品的創作,這件作品是他的經驗總結,並且標誌著他未來的活動朝現代派方向發展的開端,這部作品就是《亞威農婦女》。這位西班牙畫家的著眼點,不像野獸派那樣放在色彩上,而是放在形體上,他採用靈活多變且層層分解的、雄渾有力的、寬廣而有概括性的平面造型的手法,把形體的結構隨心所欲地組合起來。這些平面甚至發展到超越單個的物象,囊括周圍的全部空間。這時我們還沒有達到完全理性地控制物體,但是,畢卡索的畫已經導致我們必須走上這一道路。

    到 1909 年,畢卡索才確立了真正嶄新的繪畫語言,這語言是從事物的內涵去認識和解析,而不再只是從事物的視覺表像來描繪事物的形象了。這幅畫顯示畢卡索的革新精神,表明他可以超越前衛派的繪畫試驗。他透過人物身體和物體的安排,將人物依序地由左向右,從未完成的草圖,一直到最後一個戴面具,臉完全變形的人物。這一系列的人物形態像金屬片一樣地翻折,預示了立體主義成熟期將會形成的空間碎裂觀念。

    《亞威農婦女》徹底否定了文藝復興時期以來視三度空間為主要目的的傳統繪畫,畢卡索斷然拋棄了對人體的真實描寫,把整個人體利用各種幾何化了的平面裝配而成,這一點在當時來說,是人類對神的一種褻瀆行為。同時它廢除遠近法式的空間表現,捨棄畫面的深奧感,而把量感或立體要素全體轉化為平面性。這幅畫,既受到塞尚的影響,又明顯的反映了黑人雕刻藝術的成就。強化變形,其目的也是增加吸引力。

    畢卡索說:我把鼻子畫歪了,歸根到底,我是想迫使人們去注意鼻子。這幅畫對藝術界的衝擊相當大,展出時,蒙馬特的藝術家們都以為他發瘋了。野獸派創始人馬諦斯說那是一種“煽動”,也有人說這是一種“自殺”。有人感到困惑不解,有人怒不可遏。 后續會與畢加索共同發起立體主義繪畫運動的布拉克-這位受到現代繪畫之父塞尚影響的畫家也甚為驚訝,然而他知道另一種藝術的形式已經誕生了。這種新創造的造型原理,成為立體派及以後的現代繪畫所追求的物件。《亞威農婦女》不僅是畢卡索一生的轉捩點,也是藝術史上的巨大突破。要是沒有這幅畫,立體主義也許不會誕生,所以人們稱呼它為現代藝術發展的里程碑。

    蘭姆酒瓶 The bottle of rum

    1911,美國-紐約大都會美術館

    畢卡索為了模仿新藝術旗手塞尚而創作了一系列作品.這些作品使用了各種角度的幾何體以及移動透視法。

    吉他、樂譜和玻璃杯

    1912,美國圣安東尼奧市麥尼藝術博物館

    這幅畫大部分是由畢加索使用不同的材料拼貼而成的,這是“綜合立體主義”,綜合立體主義比立體主義更進一步,它不再簡單分解重組事物,而是把客觀物體本身引入繪畫。綜合立體主義的作品中,往往會加入一些題字、數字和樂符,有時還會把一些紙片、木紋紙等實物素材直接貼到畫面上。這種創作方法在減弱透視、強化作品平面性的同時,還帶來更加貼近現實生活的真實感。

    畫面的背景是一張畫著古典花紋的卡紙,上面貼著幾張顏色、形狀各異的紙片,有藍色的梯形、白色的圓形、黑色的弓形、棕色的耳朵形仿木花紋紙;在畫面右側,還有一小截活頁樂譜和畫有玻璃杯的素描圖;左下角則是一張報紙的標題。古典紅褐色的底上布滿精致典雅的菱格和花卉圖案,渲染出歐洲社會文化和藝術生活中,休閑舒適的環境氛圍。在這幅畫中,畢加索用梯形、圓形、左耳形和弓形的圖案勾勒出了吉他左側的大致輪廓。樂譜和素描圖經過精心的放置,其輪廓線構成吉他的右側部分。

    報紙的標題“La Bataille”在法語中意為“戰爭”。畢加索是一個反對戰爭、愛好和平的畫家,他曾強烈地譴責那些為達到某些政治目的而不惜屠殺平民的野蠻戰爭行動。1912年爆發了巴爾干半島戰爭。此時正值“一戰”前夕,歐洲各國之間矛盾激化,山雨欲來,畢加索敏感地察覺到了即將到來的戰爭風云,有意識地選取報紙的內容來表達他的政治立場。

    馬朱莉 Ma Jolie (Woman with Zither or Guitar)

    1912,美國-紐約現代美術館

    又譯「女人與吉他」或「我的漂亮姑娘」.畢卡索的情人.馬塞勒亨伯特的綽號。 畢卡索用鬆散的立體圖形構建的立體派風格.中央三角形的擺放巧妙地表示一個女人的頭和軀幹.以及下方中 心一組六縱線的形狀代表了吉他的琴弦.而女人正在撥弦。 在立體派這一時期.畢卡索和布拉克同時採用多種模式.綜合表述象徵意義和抽象。

    海邊風情 The Bathers

    1918,法國-巴黎畢卡索美術館

    這是畢卡索立體主義時期的作品.畫面中人物沒有被徹底解構.保留著具像的視覺效應。但是.這時的畫家深受非洲木雕面具等民間藝術品的影響.特別是在獲得了寶貴的形式靈感啓示後.潛移默化地構成了立體主義繪畫的徵兆與重要因素。

    我們從畫中沐浴的少女圓錐體的體態中.可以看到這種立體因素。畫家傾向於把人體作爲圓柱體、圓錐體與圓球體的結構關系組合.來表達一種豐富的思想內涵。

    三個音樂家

    1921年,美國紐約現代藝術博物館

    在一個像盒子的空間里,畫面左邊的白衣丑角在吹奏單簧管,中間的花衣小丑在彈吉他,他的旁邊是一個手持樂譜的傳教士。他們站在一張桌子后面,桌子上面放了堆小物件,下面還有一條狗,后面的墻上映有狗的影子。這時期畢加索的立體主義手法已經運用得爐火純青,從早期的剪紙拼貼畫演變到用幾何構圖和純色呈現。

    畫面以紅棕色為背景,人物左白、右黑、中間彩;左右都是大色塊,中間是鮮亮的黃、紅小色塊,對比鮮明;色彩以紅、黃、藍三原色為主,鮮艷而抽象,搭配富有變化卻不凌亂。明暗對比強烈,看上去如同夕陽西下時陽光從正上方照射過去,形成鮮艷的暖色調。在這幅畫中,長、短、圓、直多種線條各顯神通。人物輪廓的長線條開闊大氣,桌下狗身的短線條描繪的毛發、利爪栩栩如生,粗粗的音符在細細的五線譜上活潑跳躍。長線條與短筆觸雅致地結合在一起,形成豐富飽滿的抽象形象。

    桌子下面有一只看不見頭的狗,用漫畫的形式呈現出來,鋒利的前爪、俏皮的尾巴、加上背景里黑色的狗頭影子,讓畫面看起來顯得更加離奇古怪。畫中握著單簧管的、彈著吉他的、拿著樂譜的蜘蛛形的小手,可愛而怪異,把人物的身體襯托得越發巨大,在這么大尺幅的畫作所表現出的莊嚴肅穆中,透露著些許活潑喜悅,這是畫家的別出心裁和智慧之處。

    畢加索創作過許多喜劇人物,丑角和小丑是他作品中一個常見的主題,他把自己比作小丑,用小丑的眼光去看這個世界的千變萬化。在這幅畫中,從左到右的三個人分別代表畢加索本人、法國詩人阿波里耐和馬克斯.雅各布,后兩位是畢加索的朋友,在1910年代他們來往頻繁。

    海邊奔跑的兩女人 Two Women Running on the Beach

    1922,法國-巴黎畢卡索美術館

    1917年前后,畢加索開始為佳吉列夫的芭蕾舞團設計幕布、舞臺布景等。1922年,畢加索創作了這幅《沙灘上奔跑的兩女人》,后來又以它為基礎為芭蕾舞劇《藍色列車》設計幕布。佳吉列夫十分喜愛并珍視畢加索的設計。

    畢加索在畫中畫了兩個奔跑的女人,沙灘、海水、藍天,看似很正常。但她們的頭都以怪異的角度仰著,人物左右手的大小、粗細差距相當大,沙灘一點都不柔軟,像有棱角的堅石。可以說,這幅畫在正常中透露著荒誕怪異。

    畢加索這一時期在色彩的運用上比較厚重絢爛,大大提高了畫面溫馨怡人的生活氣息。灰黃色的沙灘和衣裙、湛藍色的海水與天空、棕紅色的人體和黑棕色的鬈發,一切都那么濃烈噴薄,發散出旺盛的生命力。她們豐滿、活躍、健碩,如雕塑般的人體形象躍然紙上。有人認為這是受到他妻子懷孕的影響,畢加索把她大腹便便的模樣變形成巨大的身體。粗大的四肢與畢加索的童年有關,在他年幼的時候,常常鉆到飯桌下面,他驚訝地觀察到,伯母從裙子底下露出來的雙腿十分臃腫、奇怪,這種巨大的比例在他稚嫩的心底產生了困惑,這種困惑激發了他創作的欲望。

    兩人手拉著手大步向前跑去,畫面右邊的人后腿揚在身后,似乎快跟不上同伴的步伐了,她們的頭發全部飛了起來,頭仿佛也因為飛快的速度而不自覺向后仰。手腳的動作連在一起好像一個風火輪,天上的白云仿佛都在后退,她們實在跑得太快了!在這幅畫中,畢加索運用了很純的湖藍色,海天相接,海比天藍得更加濃烈,仿佛要把天上的云彩都染成藍色。

    畢加索一直以來都沒有只追求一種定向風格的傾向,他轉向新古典主義創作,很大程度上緣于意大利之行及跟俄羅斯芭蕾舞演員、他的第一任妻子奧爾佳的相識及結合,不過,當時社會在“一戰”后出現的復歸傳統的潮流也是原因之一。

    戀人 Lovers

    1923,美國-華盛頓區國家畫廊

    《戀人》是畫家在事業和愛情處在春風得意時所畫的作品之一。在這里,畫家回到了具有古典風的畫法。他以樸素而又明快的處理將一種“舞臺劇”似的情愛場面描繪得情意綿綿。由于畫家當時熱戀著著名的俄羅斯芭蕾舞演員奧爾嘉,因而畫面中兩個依偎在一起的戀人具有一定的自傳性質。整個畫面有一種芭蕾舞式的優雅、輕柔和完美,令人聯想起文藝復興畫圣-拉斐爾的那些抒情意味濃郁的人物肖像畫。顏色的搭配(窗外的藍色,窗簾的粉紅色,男性的一襲紅衣,女性服飾的黃色、綠色和白色)既明快燦爛,又不唐突,人物本身一種傳達出此處無聲勝有聲的情調。此畫成為人們最喜愛的畢加索的作品之一因此也就是不難理解的了。

    如果不說,恐怕沒有人會看出這是畢卡索的畫。乍看上去,他那抽象的、立體的風格完全沒有任何體現,然而,如果細細體味,畫的設色與他那些名作頗爲接近:簡單的紅、黃、藍、綠、粉,構成主色調,當然,還有重要的白色,構成皮膚與女士上衣的顔色。棕色與黑色雖然筆墨不多,卻起到了定盤星的作用,尤其是這對情人的棕色頭發,有了它們,整幅畫的調子才算是定了下來,否則很容易給人發飄的感覺。

    除顔色之外,畢卡索在綫條上也體現了出色的掌控能力,寥寥數筆,就把這對情人的陶醉與幸福勾勒出來,特別是他們的眼睛和嘴唇。女人眉目含情,略帶微笑。男人看著女人的臉,頭嚮她微微傾斜。似乎我們可以預期他們的下一個動作,必然是一個甜蜜的吻。在風格上,畢卡索希望展現原始主義的風格,畫中的綫條看起來似乎非常簡單。似乎我們中學時期總有一些女同學,她們畫出來的人臉都是這個樣子。這是畢卡索在新古典主義和超現實主義時期的作品。他追求的,是一種古希臘和羅馬時期簡潔、優雅的美,高貴的氣氛,矜持的情緒,色彩與綫條的純潔,一切都在他的筆下呈現,仿佛把我們帶回了古典藝術的黃金時期。

    如果回顧下藝術史,會發現西班牙的藝術家們普遍具有多變的風格,古有巴洛克騎士-委拉斯凱茲、西班牙之光-戈雅、畢卡索更是集大成者,他十幾歲時就能把油畫畫得跟古代大師一樣好,此後更是不斷地一次又一次突破自己,新的風格一次又一次展現在世人面前。最終,畢卡索成爲開一代風氣之先的人物。

    畫家和他的模特兒 The Artist and His Model

    1928,美國-紐約現代美術館

    此畫描寫了畫家在畫女模特兒的情景.左側的裸女坐在地上.畫家坐在椅子上聚精會神地作畫.背景簡略.人物充滿畫面。

    鏡前女孩 Girl before a Mirror

    1932,美國-紐約現代美術館

    《鏡前的少女》是一幅藝術史上難有結論的作品,如何解釋成了一個問題。這幅畫具有超現實的變形特點。在這里,畫家竭力要達到對人物內心世界的探究,因而采用了多重的視角,左邊的少女是畫家的情人,一個17歲的北歐少女。她既有正面的姿態,也有側面的特點,同時,似乎是著衣的,似乎又是裸體的,而右邊鏡子中的形象卻又僅僅是側面的形象而已。

    而且,無論是臉容還是膚色都有很大的差異。利用鏡子擴大觀者的視野并非畢加索首而為之。油畫之父-揚·凡·艾克、巴洛克騎士-委拉斯凱茲和印象主義的奠基人之一馬奈等人都用過這一手法,但是,或許畢加索筆下的兩個形象之間的形式差異意味著人的外在形體和內在真實之間的反差,也就是說,畫家將立體主義的多重視角悄然轉換成了心理的多重視角,外在形式和內在現實得以同時展示。此畫十分平面化的裝飾性有夢幻的效果,也反映著畫家早期的分析立體主義的畫風。

    閱讀 La Lecture

    1932,私人收藏

    畫中人是瑪莉-泰瑞莎.華特.也是畢卡索的情人之一。瑪莉-泰瑞莎的膝上放了一本書.看書看著入睡.畢卡索當時的妻子歐嘉在展覽會上看到這幅畫之後就和畢卡索離婚了.因此這幅畫成了畢卡索婚變的作品。

    夢 The Dream

    1932,私人收藏

    畫中沉睡的少女是畢加索的戀人之一瑪麗·泰雷茲。1927年,時年 47 歲的畢卡索與長著一頭金髪.體態豐美的 17 歲少女瑪麗·泰雷茲在地鐵站初次相遇.,隨后雙雙墜入愛河。在與泰雷茲相處的時間里,畢加索充滿了狂熱的繪畫激情,而這段時間里,泰雷茲也一直充當畢加索繪畫和雕塑的模特。又過 17 年.64 歲的畢卡索給她的生日賀信中說:「對我來說.今天是你 17 歲生日.雖然你已度過了兩倍的歲月.在這個世界上與你相遇.才是我生命的開始。」.這幅畫可說是畢卡索對精神與肉體的愛的最完美體現,每當畢卡索擁有一份新的愛情.他的畫風都會為之一變.而這個階段他相當喜歡明快、對比強烈的顏色.技法上則是平面化與立體化的完美結合。

    《夢》只用線條輪廓勾畫女人體.並置于一塊紅色背景前。女人肢體沒有作更大分解.稍稍做了夸張劃分.色彩也極其單純。這幅畫是畢加索以立體派描繪女人形象和新古典派風格相結合的產物.是形象極端自由.線條和色彩自由組合的傑作。

    《夢》的整體色調鮮明.用筆直接.線條使用較多.充分表現女人身體線條。畫面當中女人的臉被從中截開.是立體派表現的一種手法。女人的面部表情安詳柔和.看得出她睡的好甜.讓人有種欲睡的感覺.女人的身體比例不是很協調.上下半部分過于窄小。兩個用線條描繪的寬大的手臂置于椅子的兩個扶手而向身前耷拉著.顯得那麼的無力.完全進入睡的狀態。女人的上衣就用幾個淡綠色線條勾勒出來.她的兩個圓滑.挺拔的乳房是那麼的迷人.真實展現女人身體質感。女人脖子上的項鏈采用紅與黃.顯得那麼的突出.給人視覺衝擊。整個畫面視覺效果舒服.對比色的運用.補色的運用.對比中不失協調。顏色的協調運用.讓整個畫面顯得那麼的協調.整體有種夢的意境。

    畢卡索的一生是那麼的豐富.他的作品將被人們用來詮釋.精神將被用來學習。我們每個人要有自己的想法.對自己的那種想法要給予堅定.去尋找那份屬于你自己的“夢”;《夢》所傳達給觀者的審美感受和暗示意義就是如夢中事物一樣不可思議。

    格爾尼卡 Guernica

    1937,西班牙-馬德里蘇菲亞王妃藝術中心

    對佛朗哥政府的殘酷行為不滿的畢卡索定居巴黎,但當 1937 年 4 月 26 日西班牙巴斯克省的歷史名城 — 格爾尼卡在西班牙內戰的混亂中,遭到法西斯德軍的突擊,全城被炸為一片瓦礫,死傷數千人,而且大多是老弱婦孺時,激起了畢卡索強烈的憤怒,因為他一想到德軍這樣強大的軍事力量,對一個不設防的小村莊竟然進行這樣殘暴的轟擊,就義憤填膺,於是開始動手繪製這幅壁畫,要以畫筆為槍來抵抗不人道的暴戾行為。

    這幅《格爾尼卡》到底表現了什麼呢?裡面沒有飛機、炸彈、坦克、槍炮.只有牛、馬、女人、燈……等物體,然而它的意義已經超越了表像。畢卡索把象徵性的戰爭悲劇投入藍色調中,那淺青、淺灰在黑色調的對照中表現正義的極點,它聚集了殘暴、痛苦、絕望、恐怖的全部意義。

    這木然屹立的公牛、瀕死嘶鳴的馬、仰天狂叫的求救者、斷臂倒地的士兵、抱著死嬰號啕大哭的母親、嚇得發呆的見證人……到底表現了什麼呢?畢卡索對於他的作品經常保持沉默,希望給予觀賞者自由的體驗空間,但是對於《格爾尼卡》這幅作品他曾解釋道畫作中的牛、馬和以生氣勃勃的線條繪出的手的涵義,以及西班牙神話中那些象徵的起源的涵義。

    他說:“……牛代表殘暴,馬則代表人民。不錯,我在那畫裡用了象徵主義,但並不是在其他畫裡都這樣做……。”“那幅畫是存心向人民呼籲,是有意識的宣傳……” 因為在西班牙一般人心目中,鬥牛場上出現的公牛,往往代表著妖怪、惡魔等黑暗勢力之文化因素下,所以畢卡索會以牛來代表著無視人民疾苦的殘暴政權。

    同時,在鬥牛場上的鬥牛士攻擊下,公牛終難以逃脫死亡的命運之西班牙鬥牛文化下,這匹馬乃為象徵著面對公牛咆哮不屈服的人民,他們是對抗暴政的主力軍。戰士雖然已經倒下,但他仍然緊緊地握著那柄劍與象徵著生生不息的精神花朵,表達了人民的復仇的決心和決戰到底的精神。

    因為這幅巨畫是畢卡索為以進步和平為主題的巴黎萬國博覽會之西班牙館所繪製,並且曾到英國、美國等其它國家巡迴展覽,引發了全世界熱愛自由、擁護民主人士的共鳴,同時在畫家聲明要將該畫捐贈給結束佛朗哥政權後的西班牙祖國之種種動作下,使得該畫的意義很快就超出了單純事件的抗議範疇,而成為政治鬥爭中的一種文化示威,甚至成為文化對暴力的一種對抗。

    就其意義來說,這幅作品超過了這樁偶然事件,而正好是通過繪畫技巧起了象徵啟示、重要契機的作用。這是由一個觸目驚心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形體所構成的畫面;這色彩是指光影和立體感,也正是由於缺乏這一點,它就象徵著死亡。這死亡不僅是轟炸受難者的死亡,而且也是文明的死亡。

    畫面可以分為四個部分。

    第一部分,一個年輕的母親抱著剛被炸死的孩子,仰天長號,痛不欲生,在她的上方,畫著一頭面目猙獰、兇殘無比的大公牛,象征著殘暴的德國法西斯勢力。

    第二部分,畫面中間有一匹被長矛刺傷的馬,面部扭曲痛苦,憤恨地回頭看著大公牛,它象征著受難的格爾尼卡人民。在馬的下方,有一個人負傷倒地,但仍手持武器想要繼續反抗。

    第三部分,從窗口伸出一個驚恐的腦袋,她手持著蠟燭。在蠟燭的旁邊,是一盞像眼睛一樣的電燈,燈光像鋸齒一般,蠟燭和電燈象征著要把法西斯的罪惡大白于人間,又似乎是要為苦難的人民照亮希望的道路。

    第四部分,是一個男子在高舉著雙手,似乎在絕望地呼號;他舉起雙臂與倒在地上的士兵有關,張嘴仰天長嘯與開頭的母親形象形成呼應。他這樣是對死去無辜生命的憐憫,以及要為和平正義堅持到底的宣告。這個形象是對戈雅的作品《1808年5月3日夜槍殺起義者》中那位舉起雙手英勇就義的英雄形象的致敬。其下方,一個女子在匍匐奔跑,躲避轟炸,氣氛驚惶恐怖。

    《格爾尼卡》完成以后,曾先后在法國、挪威、英國、美國等國展出,引起極大的反響,它發出了人們反對政治斗爭和血腥壓迫的心聲,影響極其深遠。這幅畫曾被長期保存在紐約現代藝術博物館,與《蒙娜麗莎》一起成為世界上僅有的兩幅用防彈玻璃保護的畫作。本畫直到1981年才被護送回西班牙。

    哭泣的女人 Weeping Woman

    1937,英國-倫敦泰德畫廊

    畫中這位哭泣的女人是朵拉.瑪爾,一位法國和南斯拉夫血統的頗有成就的攝影藝術家。才華橫溢的朵拉在繪畫上給了畢加索很多幫助,尤其是在畢加索巔峰之作《格爾尼卡》的創作過程中。

    這幅畫是立體派理念的一個發展,運用了立體主義的表現方法,塊面、勾線、平涂。把從一個角度看不到的另一面也在同一個平面表現出來,使畫面看起來富有裝飾性。《哭泣的女人》也是畢加索后期表現畸形女人作品中最動人的一幅。畫面中,朵拉的面孔扭曲,悲憤的大眼和前額顛倒支離,齒輪般的眼睫毛,倒懸的眉毛像鋸齒一樣,頭發如鋼絲般焦灼,最引人矚目的是面部中間的灰藍色區域,仿佛是因悲傷過度而支離破碎;她雙眼凸出,淚如雨注,撕咬著手巾,仿佛正在承受著巨大的打擊和痛苦。

    整幅畫以幾何圖形構成,焦黑粗獷的線條輪廓,配合濃烈的色彩,更加加重了這種揪心的力量,極致地表現了朵拉的顫抖、憂愁和眼神里透射出的不甘與焦躁。本來應該是突出的鼻梁把兩眼分開,畢加索卻在兩眼之間畫了一個黑洞洞的空窩,這個破口就像被子彈打開的一個洞,它與下方慘白的紙巾形成一種極其鮮明的對比,加上像兀鷹一樣的眼珠,像垂死的蜜蜂的耳朵,使整個臉部的表情雖然極度扭曲,卻顯得異常生動。焦黃色的背景,讓人物看起來更加焦慮。頭上的帽子紅得觸目驚心,她面色忽黃忽紫,浸透著悲綠的苦澀;捂在臉上的白色手巾泛著灰藍色,預示著悲劇的到來。

    最初買下這幅畫的畢加索好友、曾為倫敦現代美術學院院長的羅蘭特?潘羅斯曾請教畢加索,為什么要將朵拉的面孔作這樣的變形。畢加索說:“是的,我賦予她一種飽受折磨的形象,她所受的折磨不是因為我,我不是虐待狂,我不能從中得到什么樂趣。這是我感受到的一種幻象,我受我的幻象的指引作畫。”

    晨歌 The Aubade

    1942,法國-巴黎龐畢度藝術文化中心

    標題讓人回想起悠久的傳統.從 16 世紀文藝復興時期的威尼斯畫派.延伸到 19 世紀的法國新古典主義的旗手安格爾.他們全都讚揚視覺與音樂之美的聯姻.將身體的曲線與悠揚婉轉的旋律結合在一起。 從伊斯蘭閨房中的神秘.到奧林匹斯山的壯偉.宮女和愛的女神們慵懶倦怠.聆聽著總是與她們的身體呼應的音樂。

    她們是欲望的圖景.存在於以藝術與愛為永恒法律的世界。曼陀鈴的演奏者坐著.身體側向椅子一邊.她的腳底是灰色軟毛氈.她的肚皮上有鳥的輪廓.她裙子的顏色通常是哀悼時用的:我們這裡看到的場景有某種儀式和莊嚴感。生命激動人心.自然已經就緒.田野不遠.天也是.這幅畫讓人看到未來的自由。

    公牛,十四號 Themes and Variations. Bull, state XIV

    1946,美國-紐約現代美術館

    畢加索最初畫出的是一頭膘肥體壯的公牛,緊接著他又畫出第二稿和第三稿,那頭牛仍是體態豐滿。他一張接一張地畫下去,但是那頭牛卻變了模樣,邊得越來越小,越來越瘦……

    為了完成他那頭由一條線構成的牛,他竟然數易其稿,畫了各種各樣的牛。當你看到那條線時,你簡直無法想象它曾花費了畫家多少心血。

    有些畫看上去似乎一無所有,其實卻包含著一切。這幅公牛圖的演變過程,就是典型的一例。每一稿都有其獨特的含義,而每一含義又導向另一種形式的真實。保留下來的線條包含了我們說“公牛”二字時所想到的一切。

    阿爾及爾女人(O版)The Women of Algiers (Version 0)

    1955,私人收藏

    畢加索使用來自於 浪漫主義時期畫家浪漫舵手-德拉克洛瓦作品的靈感.先後共改編創作了 15 幅系列作品.並以 A 到 O 作為編號。共花兩個月時間完成.

    此畫(O版)是整個實驗系列最後一幅作品.累積上百張紙本、14 張油畫的結晶.其極高的完成度展示了立體主義、透視和激烈的色彩.是世界各大畢卡索展中的重點項目.可說是畢卡索創作的里程碑.亦是他最著名的作品之一。《阿爾及爾的女人》被視為現代藝術的傑作.主題為裸露的妓女.為畢卡索畫作常見主題.並以招牌的立體主義繪成.作這幅畫是向亦敵亦友的畫家色彩的遊戲家-馬諦斯致敬。

    女子與狗 Femme au chien

    1962,私人收藏

    Kabul 是一頭阿富汗獵犬,名字正正就是該國首都喀布爾。阿富汗獵犬素以優雅聞名,厚實而飄逸的毛髮除了引人喜歡以外,也是為了適應山區惡劣氣候。

    迷人的外表之下,牠是強壯和敏捷的象徵,專為長時間狩獵而生。不知道畢卡索鍾情此犬,是否與此有關。畫中女子則是畢加索的第三任妻子杰奎琳,兩人婚姻歷時約 11 年,直至畢加索逝世為止。

    斗牛士

    1970,法國巴黎畢加索博物館

    斗牛是西班牙古老而傳統的運動,象征著勇氣、榮耀、剛毅和果斷,深受西班牙人的喜愛。畢加索的父親狂熱地迷戀斗牛,經常把斗牛士請到家中。小畢加索一定會親手摸一摸斗牛士的衣角,仰望著他心中的英雄。斗牛是畢加索一生鐘愛的藝術題材。

    畢加索筆下的斗牛士身穿西班牙傳統服飾,藍白色的大翻領綴上大片簡短的流蘇,頭上戴著橙紅色的頭飾,沿著右側臉部垂下來;他一手握著鋒利的寶劍,另一只手上則拿著冒著煙圈的雪茄。斗牛士臉部的五官嚴重扭曲變形,兩只眼睛上下相疊,兩撇黑胡須往上翹起,鼻子碩大無比,側面輪廓咧開的一道口子則是斗牛士的嘴唇。

    這幅《斗牛士》畢加索創作于晚期,這時他對立體主義的把握和運用可謂是出神入化,在這幅畫中,他把從不同視角看到的人物形體全放在畫面上,隨意拆解重組人體結構,扭曲變形,所以,我們很難辨別出斗牛士的具體形象,只能看到拼湊起來的幾何圖案。

    這幅畫中斗牛士的外輪廓、頭飾、衣服、劍上都由粗細不同的不規則線條構成,它們隨著顏色和形狀的變化而不同,雖然看起來隨意,但實際上有內在的規律和邏輯。畢加索是現代立體主義的創始人,完全打破了追求精確的細節刻畫、規則的畫面布局結構這一繪畫傳統,他從非洲藝術等許多傳統美學中汲取靈感,使用立體主義、超現實主義等繪畫技巧,對畫中人物的形體進行分解、重組和拼湊,風格獨特、自由、不拘一格。


    “繪畫的技巧成分越少,藝術成分就越高。每個孩子都是藝術家,問題在于長大之后是否能夠繼續保持藝術家的靈性。”——畢加索

    對于作品,畢加索說:“我的每一幅畫中都裝有我的血,這就是我的畫的含義。”

    0條評論

    發表

    請遵守用戶 評論公約

    類似文章 更多
    喜歡該文的人也喜歡 更多

    ×
    ×

    .00

    微信或支付寶掃碼支付:

    《個圖VIP服務協議》

    全部>>
    必威体育下载